Les articles

Dans ce bel entretien, David Boisseaux-Chical, le réalisateur du film flamboyant réalisé sur le photographe et réalisateur iconoclaste, Herman Puig, évoque sa rencontre inédite avec celui que beaucoup qualifiaient comme le Mapplethorpe cubain. Il nous confie également ce qui motive son désir de film chez les personnalités hors normes qu'il croise.

Le réalisateur Nicolas Raynaud revient pour nous sur le film qu’il a réalisé sur Christian Février, grand photographe nautique français. 

Le photographe français Christian Février a mené une carrière longue de cinquante ans, spécialisée dans la photographie de voile : il photographiait des marins et leurs bateaux, lors de régates aux quatre coins du monde. Dans cet entretien il nous parle de ce métier méconnu et de son rapport à la photographie.

Dans ce bel entretien, Camille Guichard revient sur la genèse de son film Duane Michals, The Man Who Invented Himself, sur la liberté de création que ce photographe emblématique lui a transmis, celle de transgresser d'une certaine façon, pour mieux se révéler.
 

Dans ce bel entretien, Guillaume Geneste revient sur sa formation, les rencontres qui ont été déterminantes dans son apprentissage, puis il nous livre quelques clefs pour comprendre sa manière de travailler en laboratoire en étroit dialogue avec les photographes.


 

Dans ce bel entretien, Henri Herré nous confie comment sa série Vif argentique autour du travail de tireur de Guillaume Geneste avec ses photographes a vu le jour. Une danse au présent des images. 

Dans ce bel entretien, Eléonore Coyette nous éclaire sur son geste cinématographique, guidé par le corps et le mouvement. Elle revient également sur sa rencontre étonnante à Bruxelles avec Aïssatou Ciss et les débuts de leur processus créatif.

Dans ce bel entretien, Aïssatou revient sur les rencontres artistiques qui ont déterminantes pour elle, son cheminement vers l'art et la résilience, en constante évolution. Son art de créer des liens en racontant des histoires de vie.

 

Une franche conversation

D’un musée de Paris à une galerie de New-York, des Rencontres d’Arles à une librairie de Bologne, Joel Meyerowitz s’est régulièrement, pendant des décennies, trouvé sur le chemin de notre rédactrice. Mais uniquement à travers ses œuvres, ou de loin, car, même si elle avait dès leur découverte été emballée par ses travaux et la personne que ceux-ci laissaient imaginer, elle n’avait jamais approché ce grand de la photo. C’est par un beau jour d’été, tout au sud de l’Espagne, que la rencontre a eu lieu. 

Today was a joyous day, a morning with bells and birds...*, tel est le début de la dédicace que Joel Meyerowitz vient de rédiger sur la page de garde de mon livre favori, A summer’s day. C’est vrai ; le carillon et les pépiements d’oiseaux s’entendront, mélodieux, sur mon enregistrement de ce matin de juin passé dans la cour ombragée du splendide Musée Picasso de Malaga. Une base de palais du XVI^e siècle, qui ne cesse de s’agrandir. Il est toujours bon d’avoir de la place – outre les salles consacrées aux œuvres du maître espagnol, le musée offre un espace conséquent à des expositions temporaires. En ce début d’été 2024, et pour un semestre, il met à l’honneur le photographe américain Joel Meyerowitz. Avec qui je viens de passer deux heures à discuter – j’étais censée l’interviewer une trentaine de minutes. Car à la veille de l’ouverture au public, une présentation pour la presse a été – somptueusement – organisée. Quatre chanceux journalistes invités, et moi qui ne me sens pas vraiment du sérail. L’événement inclut, entre autres, la visite en présence du photographe et du nouveau directeur du musée, Miguel López-Remiro, ainsi qu’un dîner couronné par un spectacle de flamenco – un guitariste et une explosive chanteuse-danseuse, qui emporte l’enthousiasme. Olé !

Et si l’on pouvait saisir l’âme d’un pays dans un regard ? Si, par la seule force d’un déclencheur, on pouvait fixer ce qui fait la beauté des vies ordinaires ?

Un chien minuscule à côté de jambes interminables. Un homme assis à la tête de bulldog. Il n’y a rien de plus sérieux que l’humour, et Elliott Erwitt l’a compris avant tout le monde. Ses photographies, souvent drôles, parfois poignantes, toujours intelligentes, racontent des histoires simples et universelles qui nous séduisent, irrésistiblement. Dans le documentaire Silence Sounds Good, la réalisatrice Adriana López Sanfeliu nous ouvre la porte de l’univers intime de ce maître de la dualité, où légèreté et gravité cohabitent avec une élégance certaine.

Elliott Erwitt est un photographe américain né à Paris en 1928 de parents russes-juifs émigrés. Il passe son enfance en Italie, qu’il fuira à l’âge de 10 ans pour retourner en France afin d’échapper à Mussolini. Puis, ses parents émigrent de nouveau en 1939 vers les États-Unis, à New-York, avant de s’installer à Los Angeles. 

Dans le monde d’Erwitt, tout est une question de regard. Avec la spontanéité d’analyse qui lui est propre, il décèle dans une scène de la vie courante un côté aussi humain que cocasse. Une matrone observe le monde derrière des rayonnages où deux courges, posées là par hasard, semblent lui prêter une anatomie imaginaire. Des chiens, pris sous des angles improbables, deviennent les reflets drôles et émouvants de leurs maîtres. 

Dans ce bel entretien, Joannie Lafrenière nous parle de sa rencontre avec le photographe Gabor, placée sous le signe d'une curiosité commune pour l'autre, et de ce projet de film qui lui est apparu comme une évidence.

André Cornellier et Michael Flomen partagent une vision commune de l'art, de la vie, de la nature et de ses énergies. Le réalisateur, lui-même photographe, nous parle de leur rencontre et de ce projet de film pour lequel il a suivi Michael Flomen dans ses balades nocturnes, à la recherche des éléments naturels qu'il coucherait sur son papier. 

Philippe Jamet, fasciné par la photographie autant que l'énergie foisonnante des rues, est l'auteur d'un captivant portrait documentaire de Joel Meyerowitz, considéré comme l'un des pionniers de la photographie couleur. Il nous confie les coulisses de la réalisation de son film révélant près de 120 images du prodigieux photographe new-yorkais.

Camille Ménager revient sur sa rencontre avec Sabine Weiss et la construction de ce projet documentaire que la photographe a accepté, alors qu'elle était au crépuscule de sa vie. Au fil des prises de vues, le dialogue avec Sabine Weiss fait naître des interrogations chez la réalisatrice. Elle répond à certaines d’entre elles dans cet entretien.

Mis à l’honneur dans le film de Carole Laganière en 1988, le photographe belge Gilbert Fastenaekens revient ici sur cette période où la photographie commençait tout juste à s’imposer sur la scène artistique et parmi les institutions. Il pose un regard rétrospectif sur son œuvre et le chemin parcouru depuis.

Le réalisateur Sebastián Moreno est le fils du photographe José Moreno, l’un des membres de l’AFI qui ont témoigné sans relâche des réalités du régime de Pinochet. Dans cet entretien il évoque pour nous cette période difficile de l’histoire du Chili qu’il a vécue à travers les images de son père et nous en dit plus sur les photographes de l’association. 

Historienne de formation, la réalisatrice Camille Ménager exhume le récit de personnes oubliées de l'Histoire, qui sont bien souvent des femmes. Dans cet entretien elle nous raconte son intérêt pour la couverture visuelle des conflits, qui l'a menée vers la guerre d'Espagne et la découverte de Gerda Taro. 

Pour Samuel Aubin, transmettre la personnalité de son sujet dans toute son authenticité, avec ses qualités et ses défauts, est essentiel pour accéder à son regard de créateur, à son cheminement en tant que photographe. Une approche qui fait la force de son documentaire sur Ara Güler, dont il nous révèle les secrets ici. 

Comment faire en sorte qu'un homme n'aimant pas parler de son travail raconte sa vie et la richesse de son parcours photographique ? C'est le défi relevé par Kamy Pakdel, qu'il nous raconte dans cet entretien. On y découvre que, malgré sa carapace de pudeur, Abbas était un homme affable, regorgeant d'histoires à raconter. 

Tom Wood a donné envie à Emmanuel Bonn, cinéaste, de se tourner vers la photographie. Dans cet entretien il nous raconte la découverte de son œuvre et les cinq jours passés avec lui, entre la station balnéaire de New Brighton et sa maison au Pays de Galle, à découvrir ses photographies tout en explorant sa collection de vinyles.

   Il marche vite Nicolas Jimenez, le rédacteur en chef et responsable du service photo du journal Le Monde. Ça fait 5 minutes que nous cherchons une salle de réunion pour effectuer notre entretien et nous traversons le bâtiment de part en part. Un paquebot de verre adossé à la gare d’Austerlitz qui regroupe tous les titres du groupe. L’Obs, Télérama, etc. « C’est aussi large que Beaubourg », lâche-t-il en se retournant pour m’attendre droit dans son pantalon « feu au plancher » qui lui donne un faux air de Tintin reporter. Nous arrivons enfin à la salle Tahoma, qui n’est pas un nom d’île, mais celui d’une typo…

Le photographe et réalisateur français Vassili Feodoroff (né en 1991) situe sa pratique entre le documentaire et le journalisme. Son dernier film 28,54 Go est une immersion contemplative au sein du service photo du journal Le Monde, premier quotidien national français. Au rythme des élections présidentielles de 2022, qui ont signé la mort des partis traditionnels français, il nous fait découvrir un métier méconnu du monde de l’image de presse : celui d’iconographe. Dans cet entretien, il évoque pour nous la genèse de ce projet, ses choix esthétiques et les ingrédients pour une bonne photo d'actualité.

Découvrez un fragment intime et inspirant de la vie de Dolores Marat. Cet extrait de l'article que lui consacre Jean-Jacques Farré dans le numéro 15 de  LIKE la revue plonge dans les souvenirs d'une artiste qui a su triompher des épreuves grâce à sa passion et son talent. Un récit qui éclaire le chemin parcouru et les rencontres déterminantes, sans omettre les aléas de la vie qui façonnent un destin...

     Tout est affleurement, douceur et délicatesse dans le film que Thomas Goupille a consacré à Dolores Marat… Mais comment s’approcher différemment et rendre compte de cette photographe du sensible, de l’impalpable, du ténu, de toutes ces petites choses qui composent notre géographie intime et qui nous ouvrent à la beauté du monde. Les images de Dolores Marat nous touchent, nous émeuvent et parfois nous transportent bien loin dans une intériorité que l’on ne soupçonnait pas et qui nous révèlent des plis secrets de nous-mêmes. Elles sont plus que ce qu’elles représentent, elles se glissent dans notre intime, provoquent des remuements, réveillent des dormances et nous rendent meilleurs.   

   Depuis la première révolution industrielle, au 19ème siècle, le développement de la technologie « soumise aux impératifs du calcul marchand »[1] a entraîné un rapport de plus en plus astreignant au temps, ce qui nous conduit bien souvent à penser, bien qu’il soit impropre de le formuler ainsi, que le temps « s’accélère ». Comme le souligne l’essayiste américain Jeremy Rifkin — spécialiste de prospective économique et scientifique — au cours de notre histoire, « la densification de nos échanges nous a conduit à organiser notre temps en plus petits segments : d’abord en heure à la fin du Moyen Age, puis au début de l’ère moderne, en minutes et en secondes »[2]. Aujourd’hui, avec la troisième révolution industrielle, celle des technologies de l’information et de la communication, « on crée de nouvelles valeurs temporelles : la nanoseconde et la picoseconde »[3]. Organisant désormais notre temps à la vitesse de la lumière, avec des unités temporelles qui sont bien en deçà de notre seuil de perception, nous sommes contraints de « dissocier l’expérience humaine de la vitesse de communication à laquelle les informations peuvent être transmises. Ce qui est très aliénant »[4]. Nous mettons en place, dans notre réalité objective comme dans notre imaginaire collectif contemporain, les conditions de notre total assujettissement à la machine.

Cédric Delsaux nait en 1973, l’année où Georges Lucas entame l’écriture de Star Wars. Faut-il y voir un signe orientant son goût pour la dystopie? Sa série Dark Lens utilise en tous cas l’univers de Star Wars comme référent pour exprimer tout autre chose : une inquiétante étrangeté. Cette même étrangeté, celle d’une fiction presque réelle, se retrouve inversée dans ses autres photographies, qui nous mettent face à une réalité qui parait presque fictionnelle.
Il revient pour nous sur son travail aux limites de la représentation.

Dans cet entretien intime, Emmanuel Bacquet explore avec Romy Alizée les coulisses de son processus créatif, de la réappropriation de l'érotisme à l'exploration de l'autoportrait. Alizée partage ses perspectives sur l'art, la représentation et le pouvoir des images dans le contexte de son propre parcours artistique.

Patrick Séraudie, réalisateur spécialisé dans les sujets d’histoire, particulièrement la Seconde Guerre mondiale, a signé en tant que réalisateur le documentaire « WR, une journée à Oradour » avec Willy Ronis. Un moment d’échange autour de la mémoire du photographe et de l’histoire internationale du « mouvement de la paix ». Patrick Séraudie avait aussi rencontré le photographe lors de la préparation du film « autoportrait du photographe » dont il était alors producteur.

     Prendre, rendre, la photographie a longtemps séparé ces deux gestes avant de les fondre en d'autres technologies comme le transfert de pigments du Polaroid ou l'affichage de l'image numérique. Un coup d'œil sur l'histoire de la photographie nous rappelle pourtant que la prise de vue et le laboratoire n'ont pas toujours été séparés, l'héliographie et le daguerréotype accouchaient de l'image non pas à la suite de la prise de vue, mais pendant le temps même de la pose. 

Gerald Fox, réalisateur britannique, a réalisé de nombreux portraits d’artistes, notamment photographes. Mais Robert Frank, tout en étant un artiste qui s’est livré sur sa propre vie à travers son œuvre, n’en était pas moins un homme mystérieux, compliqué, et retiré du monde. Gerald Fox revient pour nous sur l’histoire de ce film, à l’image de Frank lui-même, avec ses hauts et ses bas, mais avant tout passionnante et humaine.

     Robert Frank n’a jamais fait beaucoup de concessions ; que ce soit au succès, au style, à la photographie elle-même. 
Mais dans la forme de langage visuel qu’il a créée, photo et cinéma, dans cette forme d’écriture poétique, faite de fragments, de bribes, d’enthousiasmes immédiatement suivis de désespoirs, il a construit une œuvre singulière. 

Fototrace est l'association photographique à l'origine du film African Photo : Mama Casset. Elle regroupe sa réalisatrice, Elisa Mereghetti ainsi que Maddalena Cerletti, Melissa Nicolini et Giovanna Burinato. Elles ont souhaité répondre ensemble à nos questions...

Bernard Perrine est photographe, journaliste, historien, commissaire d'expositions … Il a été professeur, rédacteur en chef de la revue « Le Photographe ». Il est également membre correspondant de l’Académie des Beaux-Arts. Il est enfin l’un des cofondateurs et organisateur des Rencontres internationales de la photographie d'Arles, dont il a été le premier directeur en 1977.  Il a œuvré aux côtés de Lucien Clergue, Jean-Maurice Rouquette, et Michel Tournier à la pérennisation de ce grand rendez-vous international. Nous l’avons interrogé sur la création des Rencontres d’Arles…

Dans cet entretien, Sara Imloul partage avec Emmanuel Bacquet son parcours créatif depuis la série Das Schloss. Explorant des thèmes métaphysiques et ancestraux, elle nous invite dans son processus artistique où calotype et grand format révèlent une poésie visuelle profonde, ancrée dans un attachement atemporel à la photographie.

   Comment définir ce qu’est la photographie, ce qui la distingue de ses aînés, peinture, gravure, dessin, auxquels elle fut longtemps inféodée, ou si l’on préfère : qu’est-ce qui constitue ce mode spécifique de représentation ? À l’époque où Bettina Rheims débuta sa carrière, à la fin des années 1970, il n’existait qu’un tout petit nombre de livres consacrés à la photographie et la question demeurait embryonnaire, pour ne pas dire informulée. Quelques études commençaient seulement à paraître, comme celle de Susan Sontag ; Barthes n’avait pas encore publié La Chambre claire ; rares étaient même les monographies permettant d’appréhender une suite cohérente d’œuvres. D’une certaine façon, c'était un nouvel âge de pionniers, tant pour les artistes que pour les galeries et les collections publiques ou privées qui voyaient peu à peu le jour.

Bettina Rheims se confie à Emmanuel Bacquet sur ses inspirations, son processus créatif, et son évolution artistique. Apprenez comment ses projets, de la série Gender Studies aux portraits de femmes incarcérées, reflètent un engagement croissant et une quête continue pour capturer l'essence de ses sujets, transcendant les conventions de la photographie.

Nathalie Masduraud et Valérie Urréa sont documentaristes, au-delà de leurs films personnels, notamment sur l’autisme et la danse pour Valérie, et sur l’occupation et les colonies françaises pour Nathalie, elles s’associent pour réaliser ensemble de nombreux documentaires sociétaux ou historiques.
Elles ont ainsi travaillé particulièrement sur la photographie iranienne et sud-africaine. Leurs projets communs s’attachent généralement à la reconnaissance artistique et sociale des femmes.

   La violence est un phénomène infiniment divers par ses secteurs, ses acteurs, ses victimes, ses formes, ses pratiques et ses intensités. Toutes les violences ne se ressemblent pas. Elles peuvent être privées, publiques, et même légales, sinon légitimes, comme celles de la police. 

Emmanuel Bacquet nous ouvre les portes du monde fascinant de Nicolas Becker, un artiste dont la maîtrise sonore a marqué de nombreux films célèbres. Découvrez comment il crée des paysages sonores qui transforment notre expérience cinématographique.

   De Saul Leiter, on a redécouvert l’œuvre, avec ses photographies de rue mises en lumière dans les années 1990.
Les photos de New York qu’il fit dès 1948 lui ont valu dans les dernières années de sa vie, une renommée importante, notamment pour son usage de la couleur.

Le réalisateur britannique Tomas Leach revient pour DK2R sur la génèse du film « In no great Hurry » qu’il a réalisé sur Saul Leiter. Avec beaucoup de sincérité, il confirme ici ce qui se ressent déjà dans le film : la rencontre avec Saul Leiter a débordé en intensité et en profondeur ce à quoi il s’attendait en débutant le projet.

Rosalie Varda, en marge d’une carrière de costumière pour le cinéma et le théâtre, valorise le fonds de la société de production familiale d’Agnès Varda, ciné Tamaris, située rue Daguerre à Paris. 

Kimmo Koskela est réalisateur, artiste visuel, et producteur. Ses films, où les frontières entre documentaire et film d’artiste s’estompent, font preuve d’un univers très personnel. Ce qui n’exclut pas la rencontre : Le film Still not there avec Arno Rafael Minkkinen, atteste d’une grande complicité créative. Une complicité et un rapport à la photographie sur lesquels le réalisateur revient pour nous...

C’est un artiste majeur de la photographie, exposé internationalement à de nombreuses reprises, collectionné par les plus grands musées. Arno Rafael Minkkinen revient pour DK2R sur son univers, à travers un premier entretien exceptionnel, mêlant réflexions esthétiques et personnelles. Le tout orné de ce que Michel Tournier a appelé un « friselis » d’humour, érudit et tendre.

   Dès les premières images, le film de Thomas Goupille nous plonge dans un autre monde et un autre temps : l’atelier de la célèbre dynastie des Fresson, maîtres tireurs de photographies depuis 1899. L’agrandisseur et les châssis en bois sortis du XIXe siècle, les balances Roberval que l’on ne rencontre plus que chez les antiquaires, les casseroles de cuisine, mais aussi la machine à étendre la gélatine sur le papier inventée par l’arrière-grandpère avec le procédé : ces instruments sont toujours en fonction. Mais en inscrivant leur époque et leurs protocoles techniques dans le processus de tirage, ils ancrent les Fresson dans le domaine de l’artisanat d’art, dans le sillage d’une tradition familiale, celle de la qualité, de la créativité, et des pièces uniques, à rebours d’un monde contemporain aspiré par la quantité, la productivité technologique et le profit. 

   Tout débute généralement dans une chambre. Pour la naissance de la photographie il en a été de même, car quand Nicephore Niepce fit ses premiers essais, révélant au monde la célèbre vue « de ma fenêtre », la lumière a du à la fois traverser la chambre de la maison, puis la chambre photographique… 

Le réalisateur Mathieu Le Lay revient pour nous sur son travail. On découvre à quel point son film sur le travail d’Alexandre Deschaumes relève d’un engagement et d’une humilité face à la nature, qu’il partage avec le photographe.

Avec Bernard Plossu, qui s’épanche généralement peu, chaque parole révèle pourtant la cohérence d’un regard très pensé, et traversé de références esthétiques. DK2R a eu la chance de l’interroger sur le tirage, et ses réponses prolongent ce sujet central de l’acte photographique. 

   Il n’aime pas trop les légendes, celles, inscrites sous les photographies, qui en chargent le sens. Il n’aime pas non plus le mythe du « photographe de légende ». « Plo » ne fait pas de manières. Il n’en a pas besoin. Si il évite les entretiens, c’est que l’important est dans ses photos, et parler pour dire le reste est très secondaire. « la photo, on la fait pour la faire ». Les confidences, les réflexions sur la forme, il les réserve aux amis, à la famille. Ses mots ont alors la même justesse que son écriture photographique ; lucides, directs. 

Dominique Roland, auteur du film Les Jambes de Saint-Pierre, a réalisé ici une œuvre originale et érudite sur l’art de Pierre Molinier. Rien d’étonnant de la part de ce passionné, également directeur du Centre des arts d’Enghien-les-Bains. Il nous explique ici la genèse de ce film.

   Jane Evelyn Atwood est une femme et une photographe libre, d’une liberté forgée au fil de ses expériences et des luttes qu’elle livre au vif de la vie pour garder comme elle l’entend son espace de création. Mais la liberté est ténue, elle se conquiert à chaque acte, chaque décision, chaque geste et elle demande une intégrité et une authenticité sans faille. La liberté n’est pas facile, c’est une veille constante de soi et des autres dans une relation d’altérité qu’il faut réinventer à chaque événement, chaque rencontre, chaque engagement.